Fue un par de semanas antes de dejar Córdoba (momentáneamente) camino de Ferrol. Compartía con mi guía un café en la Plaza de las Tendillas, en pleno centro de la ciudad. Alcé mis ojos y apareció ante mi. Ya lo había visto, pero en medio de aquella oscuridad parecía otro. Es el símbolo cordobés por excelencia: el Palacio de los Colomera.
Mientras hacía esta foto, mi guía me contaba la historia.
- "Este famoso edificio está situado en el número 3 en la confluencia de la plaza y la calleja del Barroso, lo que le añade interés. Se trata de un edificio de cuatro plantas de estilo neobarroco, es casi centenario y es la obra del arquitecto Félix Hernández Giménez, quien también es responsable de la remodelación de la plaza...
- "Lo hizo como residencia para los condes de Colomera, encargado por la Condesa, María Cecilia de Burgos y Álvarez de Sotomayor. Fue una de las viviendas privadas más importantes de la ciudad califal y durante décadas fue propiedad de la familia. Lo vendieron en 2016 y, recientemente, en el 2019, fue convertido en hotel de cuatro estrellas, conservando el nombre de Palacio Colomera...
- "Mantiene algunos de sus elementos originales, entre ellos el tradicional patio andaluz y la fachada histórica. Se intenta recrear el ambiente palaciego del edificio original. Imponentes escaleras y columnas, los arcos de la entrada del comedor, así como la fachada señorial y el balcón contribuyen a ello. Desde ese balcón, además, se puede contemplar una preciosa vista panorámica de la ciudad...
- "Las obras fueron muy complejas. Las columnas y vigas son componentes clave en el edificio, pero necesitaban refuerzo por estar dañadas por el tiempo. Igual que los muros, la cimentación para estabilizar el edificio. El techo también tuvo que ser reformado...
Poco antes de contemplar este majestuoso edificio había ido al Museo de Julio Romero de Torres donde quedé prendado de la discreta y dulce sonrisa de la Condesa.
Por lo que, al visitar la Plaza de las Tendillas y ver su antiguo paraíso, decidí, no sé por qué, volver a ver el cuadro. Y es cuando ocurrió...
Mis ojos se fijaron de nuevo en los ojos de la condesa porque su mirada ya no me parecía dulce. Su rostro se encontraba crispado por una nostalgia que pretendía comunicar a los visitantes. Interrogué a mi guía:
- ¿Ves eso? La mirada ha cambiado. ¿Te acuerdas cómo era cuando vinimos antes?
A lo que me respondió:
- Tonterías, cosas tuyas. Será la luz.
Pero aún no he podido quitar de mis recuerdos tan enigmática mirada. Por eso, y como homenaje a la aristócrata, decidí no visitar de nuevo el Palacio. Aunque este sentimiento de empatía choca con mi irrefrenable impulso de gozar de esa hermosa visión.
Curiosamente este es el único cuadro de Julio Romero de Torres que no tiene en el fondo la imagen de Córdoba. Por que...
Fue una tarde de sábado, de esas en las que me gusta acercarme por mi Coruña y ver sitios que no había visitado cuando vivía allí. Los que me conocen saben que me gusta programar con antelación las cosas y sabía que aquella tarde me tocaba visitar la Casa Museo de Picasso.
Pablo Picasso vivió en Coruña entre1891 y 1895, es decir de los 9 a los 13 años. No es mucho, lo sé, pero los coruñeses somos así, presumimos de todo. Incluso la zona donde está la Casa Museo se denomina Distrito Picasso. Por eso tenía que ir.
Picasso vivió en Coruña porque su padre, José Ruiz Blasco, obtuvo una plaza de profesor en la Escuela Provincial de Bellas Artes de la Coruña. Allí Picasso perfeccionó su habilidad como dibujante e inició su carrera como pintor con su primera exposición individual.
En el número 14 de la calle Payo Gómez se encuentra un museo y encima la casa donde vivió la familia Picasso. A esta no pude subir ya que no estaba adaptada. "Es muy antigua", me dijeron. No entiendo como una casa del siglo XIX no está preparada y la de María Pita del siglo XVI sí.
Sea como fuere, en el bajo de la casa de Picasso había una exposición temporal de pinturas collage de Manuel Silvestre. Esa parte sí estaba adaptada, por lo que aproveché para ir disfrutando de las obras de Silvestre.
En un discreto lugar, detrás de una mesa, estaba un joven ordenanza al que me presenté y que resultó llamarse como Picasso, Pablo. Me habló de la exposición y me señaló detalles que a mi se me habían pasado por alto. Descubrí que era culto y con conocimientos de arte, no en vano era licenciado en Historia del Arte. Aprovechando que no había nadie más en la sala, estuvimos hablando de arte, de Picasso, y una cosa llevó a la otra, acabamos hablando de jazz.
Resulta que los dos éramos fanáticos de esta música. Él me recomendó un tema de Coltrane que yo ya conocía y yo le recomendé otro de Charlie Parker que él no conocía y que me prometió buscar. Le hablé de lo mal que me sentaba que la Casa de Picasso no fuera accesible para discapacitados y me dio la razón.
Fue una tarde muy agradable, una charla entre dos aficionados a la pintura y al jazz (o sea, dos frikis). El tiempo pasó volando y yo tuve que irme porque quería aprovechar el poco tiempo que me quedaba antes de que vinieran a recogerme para visitar otros lugares de mi ciudad, antes de que me mude al sur. Luego volví a Ferrol. Guardo un gran recuerdo de aquel día, no solo por la exposición temporal (muy interesante), sino por la conversación que tuvo lugar una tarde con Pablo.
No se puede visitar Córdoba sin ir al Museo de Julio Romero de Torres, el que pintó a la mujer morena. Yo fui a su museo. Me encantó. Tanto que me prometí a mi mismo volver a visitarlo. Volveré. Mi visita al museo tuvo además el aliciente de contar con un guía de excepción: un ordenanza cordobés apasionado de su paisano el pintor.
Julio Romero de Torres es un pintor conocido en toda España, principalmente por sus retratos femeninos y su pasión por la cultura andaluza -sobre todo cordobesa-. Uno no puede visitar ese museo sin perderse en la mirada de las mujeres que aparecen en sus cuadros.
Romero de Torres era un pintor simbolista y modernista, con un estilo muy personal que combina la tradición artística con el folclore cordobés. El museo que lleva su nombre exhibe su obra y ofrece un apasionante recorrido por su vida y devenir artístico.
Nació en Córdoba el 9 de noviembre de 1874 y murió en la misma ciudad califal el 10 de mayo de 1930. Era hijo de Rafael Romero Barros, pintor y fundador del Museo de Bellas Artes de Córdoba.
Busto de Rafael Romero Barros, padre de Julio
Siendo muy joven Julio destacó por su talento artístico, ganando varios concursos. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba, viajando posteriormente a Francia, Países Bajos y Marruecos para ampliar sus estudios. Combinó su oficio de pintor con el de restaurador de obras de arte. Se especializa en el retrato de mujeres y de la vida cotidiana andaluza, utilizando un colorismo intenso.
El museo se encuentra, como no podía ser de otro modo, en el corazón de Córdoba, en la misma ubicación del Museo de Bellas Artes. Fue fundado en 1931, un año después de su muerte, por su viuda e hijos. Remodelado en 1934 cuando se compró la casa contigua, se volvió a remodelar en 1992 para mejorar la iluminación y la seguridad. En el museo se exhiben retratos, carteles, dibujos y publicaciones del artista cordobés, ofreciendo un recorrido por su vida y obra, desde sus orígenes hasta sus obras más legendarias.
Romero de Torres nació en una familia de artistas, lo que lo marcó en su vida. De joven parte de la pintura regionalista para evolucionar hacia la estética de la generación del 98 y del modernismo en boga entonces en toda España. En 1908 crea un estilo personal combinando el sentimiento popular con el folclore. En sus inicios intenta reflejar una España dramática y rural. El pintor destaca también por un dibujo preciso con un colorido equilibrado, azul, verde y sobre todo negro. También pasó a la historia por su temática flamenca y taurina.
El museo es el típico museo de autor que contiene la mayor colección de obras del pintor cordobés y algunos objetos que nos llevan a su perfil más personal. En 1930, en pleno éxito, Julio vuelve a la casa familiar de Córdoba para gestionar su exposición en la Casa de Córdoba en Sevilla con 25 cuadros, lo más representativo de su obra. La sala fue muy visitada y premiada. Su hermano Enrique era entonces director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, haciendo gestiones para trasladar la exposición a la ciudad.
La década de 1930 fue clave para la creación y consolidación del museo cordobés del pintor, inaugurándose en 1931 de forma provisional. En primera instancia se seleccionó el antiguo Hospital de la Caridad, próxima al Museo de Bellas Artes, pero pronto se quedó pequeño; por lo que en 1934 las obras se trasladan al Museo Provincial en la Plaza del Potro. En 1936 se añaden tres nuevas salas a las ya existentes. La colección definitiva del museo se completó con las 25 obras llevadas desde la Exposición Iberoamericana de Sevilla de 1929. También se llevaron obras y objetos personales del pintor que guardaba en sus talleres de Madrid y Córdoba. Posteriormente se fueron realizando donaciones, compras y depósitos hasta completar la colección que hoy se expone.
Fui al museo a finales de octubre del año pasado en una visita por mi cuenta, sin guía. Qué fortuna tuve cuando, al notar mi pasión por los cuadros, se acercó a mi un ordenanza del museo. Demostró ser muy amable y un experto en la figura y obra del pintor cordobés.
Tengo que reconocer, además, que siendo un edificio tan antiguo se ha hecho un esfuerzo ímprobo para hacerlo accesible a los discapacitados.
Fue un día delicioso, a lo que contribuyó el citado ordenanza, que me ilustró sobre la historia de la Córdoba coetánea a la obra del pintor. Debatimos también (debo decir que escuché más de lo que hablé) sobre La chiquita piconera, el famoso cuadro. Este hombre tan amable me dijo que la leyenda de que la Chiquita piconera era una prostituta es falsa. Era una chica normal en la que se fijó (no es de extrañar) y le pidió que posara para él, no era ni prostituta ni su amante.
Sea como fuere, esta visita supone un hito en mi acercamiento a la Córdoba del primer tercio de siglo, la que pintó el gran Julio Romero de Torres. Su museo es de obligada visita para el que quiera conocer y comprender por qué el pintor era un enamorado de la ciudad califal.
Días después llovió en Córdoba, lo cual es un acontecimiento en si mismo. Me encontré a este mismo ordenanza en otro museo, no sé cual, y le pregunté qué hacía allí.
- Estoy aquí mientras arreglan el museo de Julio Romero, cuyo techo se hundió por las últimas lluvias.
Tengo que reconocer que, como gallego y antiguo trabajador en el Museo de Bellas Artes de La Coruña, esto me sorprendió. Se ve que en Córdoba no suele llover y no están preparados para la lluvia. Espero que ya esté arreglado (tiempo ha habido) y espero volver al mismo en mi próximo traslado a Córdoba. Espero también volver a encontrar a mi colega cordobés para recordar la apasionante historia de Julio Romero de Torres de manos de un experto, que me considere su amigo y poder vivir de nuevo su pasión por el pintor.
El llamado Hospital de San Sebastián, conocido así por todos los cordobeses, es un edificio del siglo XVI situado en la calle Torrijos de Córdoba, justo enfrente de la fachada occidental de la Mezquita. Por eso me llamó la atención. Mi guía me dijo que es la actual sede del Palacio de Congresos y Exposiciones y de una oficina de información turística.
Fue hospital entre 1516 y 1816. Después casa de maternidad y expósitos hasta 1961, cuando se convirtió en palacio de congresos.
Es un edificio de estilo renacentista español y está considerado Bien de Interés Cultural desde 2007 y patrimonio de la Humanidad. Se encuentra en el centro histórico de Córdoba, también declarado patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1994.
Fue construido entre 1512 y 1516 por el arquitecto Hernán Ruíz el viejo por encargo de la Cofradía de San Sebastián para dedicarlo a hospital. Está en el solar ocupado por la antigua sala de abluciones de la mezquita. Este espacio era conocido en aquella época como Corral de Cárdenas.
Fue un centro sanitario durante tres siglos hasta la construcción del hospital del Cardenal Salazar a principios del XVIII. En 1816 se trasladó a este lugar la Casa de Expósitos de San Jacinto, para evitar el abandono de niños y niñas en las calles de Córdoba. Antes de la fundación de esta Casa se había habilitado el Patio de los Naranjos de la mezquita, que tenía un acceso conocido como Postigo de la Leche. En1850 el inmueble fue adquirido por la Diputación de Córdoba pero su actividad como casa de expósitos y maternidad continuó hasta 1961. A partir de 1980 fue aprovechado como Palacio de Congresos y Exposiciones, a lo que se dedica actualmente.
En 2013 se inició la restauración para dotar al palacio de salas accesibles y aumentar la capacidad de las mismas. Esas obras concluyeron en septiembre de 2018 con un coste de 5,8 millones de euros. Fue nominado en el 2020 para ser Edificio del Año en la categoría Arquitectura cultural.
Está puerta con puerta con la Mezquita. Es espectacular y mantiene la estructura, el estilo y la esencia del antiguo hospital. A finales del siglo XIX y principios del XX el pintor Gustavo Doré hizo una parada en Córdoba, quedando maravillado por la Mezquita y por lo que había al otro lado de la calle, el hospital de San Sebastián.
Este y otros artistas nos dejaron dibujos que nos dan una idea de cómo tenía que ser ver estas maravillas: "Pisábamos una calle y un entorno privilegiados." Esto se configuró como el centro más monumental de Córdoba durante siglos, junto con el puente romano y el antiguo Alcázar.
Recuerdo preguntar de pasada al guía qué era aquel edificio y, dado que estaba frente a la Mezquita-Catedral, que me fijara en él puede dar idea de lo espectacular de su fachada. Me quedaron ganas de entrar. Algún día lo haré.
Rembrandt más espectacular todavía gracias a los efectos especiales.
Obra espectacular de Rembrandt adaptada en una exposición londinense, un espectáculo multisensorial de arte inmersivo.
Me gustaría estar con esas personas del público para ver lo que se siente. Y luego irme a tomar un café (o, dada la ciudad, un té) bien calentito para comentar la experiencia.
Esta es la historia de la musa de Gustav Klimt. La vida de la dama de oro comenzó en Viena, en 1.881.
Era la hija de un destacado banquero judío
Vivió una infancia y adolescencia rodeada por un ambiente marcadamente cultural.
Se caso, muy joven, con un acaudalado magnate de la industria azucarera ( todo indica que fue un matrimonio pactado entre las dos familias ) Su marido fue Ferdinand Bloch - Bauer.
Su marido, sin embargo, sentía por ella verdadero afecto y admiración. Este complacía y financiaba los encuentros sociales, y las fiestas, de Adele con artistas como Wagner ( curiosamente antisemita ) o Klimt.
Ella era alta, delgada y elegante. Gustaba de apoyar artistas.
El retrato de Adele, pintado por Klimt, fue un regalo para esta de su marido. No tuvieron hijos
Klimt estaba sumido en una crisis económica ya que la Universidad de Viena desaconsejaba la compra de sus cuadros por pornográficos.
La obra se convirtió en un símbolo del Art Nouveau.
Klimt fue adorado por las mujeres. Este convirtió en musas a las que tenían rasgos poderosos, carácter fuerte y misteriosa sensualidad.
Enseguida se desataron rumores de una relación amorosa entre el pintor y la musa, pero nunca se ha probado que fueran más allá del afecto.
Ella apareció en dos cuadros y 200 dibujos del pintor.
Se dice que la mujer que aparece, semidesnuda, en Judith y la cabeza de Holofernes es ella. Así como la mujer de los ojos cerrados de El Beso.
Adele Bloch - Bauer murió de meningitis en 1.925, con 43 años
Dejó, en su testamento, el cuadro al Museo Beldevere. Pero los nazis llegaron a Viena en 1.938 y comenzó la aventura, ya contada, del cuadro.
Esa es otra historia. Esta entrada se limita a contar la verdadera historia de la musa de Klimt.
El Retrato de Adele Bloch - Bauer I es el centro de la obra de Klimt,. O sea, el núcleo del Modernismo Pictórico.
Conocido como La Dama Dorada es una obra de Gustav Klimt completada en 1.907.
Fue vendida por 135 millones de Dólares a Ronald Lauder - propietario de la Neue Galerie de Nueva York en Junio del 2.006.
Fue, en su día, la segunda pintura más cara del mundo.
Actualmente se exhibe en esa Galeria.
Se pintó en óleo y oro sobre tela.
Mide 138 cm por 138 cm.
Klimt tardó tres años en su elaboración. Gustav fue considerado miembro de la Secesión Vienesa.
La obra fue creada en Viena por encargo de Ferdinand Bloch - Bauer ( marido de la retratada )
Bloch - Bauer hizo su fortuna en la industria azucarera y apoyó a Klimt , al retratar su segundo cuadro :
Adele Bloch - Bauer ( II ) en 1.912.
Adele , en su testamento, dejó los cuadros a la Galería del Estado de Austria.
Adele murió de meningitis en 1.925.
Cuando los nazis invadieron Austria su viudo huyó a Suiza.
Sus propiedades, incluido el cuadro, fueron confiscadas.
Este, en su testamento de 1.945, deja a sus sobrinos como herederos.
Uno de ellos era María Altmann
El gobierno post - nazi de Austria se quedó con el cuadro.
Un Tribunal Internacional le concedió la titularidad a María Altmann, sobrina del matrimonio Bloch - Bauer, junto con otros cuatro cuadros.
Los cuadros fueron enviados a los Estados Unidos y exhibidos en Los Ángeles. Finalmente el retrato fue vendido a Lauder que la convirtió en la pieza central de su Neue Galerie de Nueva York ( especializacida en la recuperación de obras de arte robadas por los nazis a la Comunidad Judía de Alemania y Austria.
El mejor relato de la peripecia de esta recuperación se hizo en la película La Dama de Oro ( producción británica del 2015 protagonizada por Helen Mirren y dirigida por Simon Curtis )
Para conseguir una estética modernista se aprovechan las nuevas técnicas facilitadas por la Revolución Industrial: la Impresión y la Serigrafía.
Estas técnicas fueron determinantes para configurar las figuras, ilustraciones, colores y mezclas claves en el Modernismo
El Futuro ya ha Comenzado fue el lema de los pintores modernistas.
Estos rechazaron las normas anteriores y crearon las suyas propias. Rompen con el pasado y apuestan por el futuro comenzando por el presente.
Como Ruskin y Morris, pretedieron democratizar la belleza y socializar el arte: dotar de valor estético hasta los objetos más cotidianos.
El Modernismo no sólo se dió en la Pintura ( Klimt ) sino en artes decorativas, diseño de mobiliario, joyería, cristalería, cerámica, azulejería y lámparas. Tambien, y sobre todo, mobiliario urbano.
El Modernismo es una corriente renovadora que se desarrolló a finales del Siglo XIX y a principios del XX. Este transcurrió en el Período llamado fin de siecle y Belle Epoque.
Recibió variados nombres según el país en el que se desarrolló.
Art Nouveau en Bélgica, Francia e Hispanoamérica. Jugendstil en Alemania y en el Norte de Europa.
Sezession en Austria, Modern Style en el Mundo Anglosajón, Niewe Kunst en Holanda, Floreale en Italia.
Todos estos nombres tienen la intención de crear un arte ( pintura, en este caso ) joven, libre y moderno que rompe con el historicismo , eclecticismo, realismo o impresionismo.
Esta nueva estética estaba inspirada en la Naturaleza, enriquecida por las novedades de la Revolución Industrial
Degas mejora su posición económica y fue comprando obras de pintores admirados por él como El Greco, Manet, Pissarro, Cezanne o Gauguin y Van Gogh. Tres pintores eran sus preferidos: Ingres, Delacroix y Daumier Al final Degas llegó a comprar 20 pinturas y 88 dibujos de Ingres y 13 pinturas y 200 dibujos de Daumier. No compró nada de Monet, sin embargo no consta que comprara ningún Monet. A finales de la década de 1880 Degas comienza una gran querencia por la fotografía.
Durante su vida fotografió a muchos ferroviarios amigos, experimentando con la luz de las lámparas. Famoso es el retrato de Renoir y Mallarmé.
Fotografió bailarinas y desnudos.
Pasó el tiempo y comenzó a convertirse en un solitario.
Por motivo del Caso Dreyfus saca a la luz su carácter antisemita y rompe con sus amigos judíos.
Se aisla, aún más, de la sociedad.
Pinta en tonos pastel y se dedica, hacia 1910, a la escultura.
Dos años más tarde deja de pintar y tiene que mudarse por la demolición de su casa.
Pasa sus últimos años solo y casi ciego.
Muere en Septiembre de 1917
Degas, por problemas económicos, termina por vender su casa y varias colecciones de pintura heredadas.
Resulta decepcionado con la gestión del Salón Oficial y, junto a otros jóvenes artistas, forma un grupo independiente para exponer sus pinturas. La historia del Arte los denominará Los Impresionistas.
Entre 1874 y 1876 el colectivo montó ocho muestras. Las Exposiciones Impresionistas. El grupo fue dirigido por Degas. En las exposiciones presentó muchos de sus trabajos. Las trifulcas con el grupo fueron frecuentes.
Degas se oponía a las pinturas al aire libre de Los Paisajistas como Monet.
Degas rechazaba el escándalo que causaba sus exposiciones de Forain o Raffaelli.
El grupo se disolvió en 1886
Hilaire - Germaine - Edgar de Gas fue pintor, escultor y grabador francés. Nació en París el 19 de Julio de 1834.
Fue uno de los fundadores del Movimiento Impresionista.
Fue, además, un gran dibujante y grabador.
Fue el mayor de los hijos de una mujer , descendiente de una familia criolla de Nueva Orleans y de un banquero francés.
A los once años comenzó su educación en el Lycee Louis le Grand. Su madre muere pronto y su educación pasa a ser cosa de su padre y su abuelo.
Empezó a pintar pronto y se gradúa en Literatura en el Liceo.
En 1853 instala, en su casa, un Estudio de Pintura.
Se registra como copista en el Museo del Louvre. Pero ingresa en la Facultad de Leyes de la Universidad de París en 1853, por influencia de su padre.
No toma con interés los estudios de Leyes.
Dos años más tarde conoce a su admirado Jean Auguste Dominique Ingres que le da un consejo que le marcará: dibuje lineas y más líneas, joven, tomadas de la realidad y de la memoria, así se convertirá en un buen artista. El siguiente Abril ingresa en la Escuela de Bellas Artes y comienza a estudiar bajo la tutela de Louis Lamothe, inspirado por el Estilo Ingres.
En Julio de 1856 viaja a Italia para establecerse por tres años. Pinta su primera obra La Familia Bellelli.
Hace copias de Miguel Angel, Rafael y Tiziano.
Degas selecciona detalles que pasan desapercibidos para otros.
Vuelve a París y se instala en un estudio grande.Comienza a trabajar en sus Pinturas de Historia: Alejandro y Bucéfalo y La Hija de Jephthath.y Semiramis construyendo Babilonia, así como Jóvenes Espartanos
En 1861 comienza sus estudios sobre caballos durante su visita a Normandía.
En 1865 expone, por primera vez, en París. Escena de Guerra en la Edad Media. Sigue exponiendo con periodicidad anual.
Con Steplechase, el jinete caído ( 1866 ) marca su inicio del distanciamiento con el arte tradicional.
Su cambio se debió a Manet.
Durante la Guerra Franco - Prusiana se une a la Guardia Nacional para defender París y deja de pintar una temporada.
Durante su servicio militar se le detecta un problema de vista que lo acompañará toda su vida.
En 1872 termina la guerra y se establece en Nueva Orleans con su hermano.
Vive con su tío criollo y pinta varias obras ( algunos retratos familiares ). Llama la atención en París.
Al año siguiente vuelve a París y su padre, al año, fallece.
Hereda gran cantidad de deudas y tiene que pintar para sobrevivir.
Crea, en esta tesitura, grandes obras maestras.
El Día Mundial del Arte se celebra cada 15 de Abril. Fue declarado así por la Asociación Internacional del Arte para promover la actividad creativa por todo el mundo.
La propuesta fue presentada en la 17ª Asamblea General de este Organismo y aprobada por unanimidad.
Pero..... ¿ por qué se eligió esta fecha ?. Este día se celebra el nacimiento de Leonardo da Vinci, icono del Arte Renacentista. Así que Feliz Día Mundial del Arte !!
Walter Crane fue un pintor británico, nacido en Liverpool ( Inglaterra ), representante del movimiento Arts and Crafts.Se especializó en la creación de ilustraciones, libros infantiles, mosaicos y objetos decorativos, en general. Podemos decir que fue un líder del Art Decó inglés.
Nació el 15 de Agosto de 1845 y murió el 14 de Marzo de 1915 en Horsham, en el mismo país que lo vió nacer.
Fue el segundo hijo del pintor Thomas Crane, creador de retratos y miniaturas.
Se formó bajo la influencia del pre-rafaelismo y de la obra de Ruskin.
Fue el autor de las ilustraciones de Lady of Shalott de Tennyson le valieron que Linton lo acogiera como aprendiz , entre 1859 y 1862.
Fue grabador de madera,estudiando las obras de Rosetti, Millais, Tenniel y Sandys. Estudió el Renacimiento Italiano y fue muy influenciado por Elgin.
Desde 1.871 emprende viajes por Europa y Estados Unidos.
Colaboró con el diseñador William Morris para la reforma de las Artes Decorativas.
Ilustró cuentos como El Principe Rana ( 1874 ), Cuentos Infantiles de los hermanos Grimm ( 1882 ) y La Reina de las hadas ( 1894 - 1896 ).
